16 de feb. de 2015

DE TAL PADRE, TAL HIJO


Títol original: Soshite chichi ni naru
Títol internacional: Like father, like son
Direcció i guió: Hirokazu Kore-eda
País: Japó, 2013
Fotografia: Mikiya Takimoto
Música: Bach i Beethoven. Mereix un lloc especial un sol de piano del prestigios Takashi Mori i les Variaciones Goldberg de Bach interpretadas por Glenn Gould.
Muntatge: Hirokazu Kore-eda
Interpretació: Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, Lily Franky, Keita Ninomiya, Shogen Hwang, Jun Fubuki, Jun Kunimura.
Durada: 120 minuts
Versió: doblada al castellà
Qualificació: no racomanada a menors de 7 anys (no acompanyats)
           
Premis 2013:
Premi del Jurat, Festival de Cannes; Premi del Públic, Festival de San Sebastián

Filmografia (selecció):
2013: De tal padre tal hijo
2011: Milagro
2008: Still Walking (Caminando)
2006: Nadie sabe

Sinopsi:
Ryota, un arquitecte obsessionat per l'èxit professional, s'ha guanyat tot el que té treballant de valent, viu feliçment amb la seva dona i el seu fill de sis anys i està convençut que res pot espatllar la seva perfecta vida. Però un dia reben una trucada inesperada de l'hospital. Keita, el seu
fill de sis anys, no és el seu fill, l'hospital va cometre un terrible error i els va lliurar el nen equivocat. Després de conèixer a la família que ha criat amb amor al seu veritable fill durant sis anys, Ryota comença a preguntar-se si realment ha estat un pare.


Per La butaca azul
De tal padre, tal hijo presenta a una familia modelo en el seno y la tranquilidad de sus labores cotidianas. Apenas unos minutos de la rutina alrededor de una cena bastan para conocer y entender a sus tres personajes. La siguiente escena, en una sala del hospital donde nació el niño, plantea ya la premisa que vertebra la película: un análisis de sangre revela que aquel hijo no tiene relación genética alguna con sus padres. La secuencia anuncia no sólo el motivo central del relato, sino también la manera, sensible pero nunca afectada, con la que tratará el conflicto durante el resto de la
película.

La emoción viene de la contención y de la naturalidad, nunca del efectismo ni la sensiblería. Viene de la toma de decisiones de unos personajes que nos importan, de manera irremisible. La cámara estudia, en cada secuencia, cómo tomar la suficiente distancia entre los personajes para que un relato de indudable contenido emocional no se apodere del filme y lo abandone al cuento de lágrimas
impostadas que está a punto de ser. Se marcha de la escena cuando está a punto de irrumpir el llanto, para que las elipsis se conviertan en pozo de infortunios y que la película que quede pueda ser, así, un canto de esperanza. ¿Cómo convertir una historia así en una película convertida en auténtico tratado narrativo, pero al mismo tiempo que huya de la frialdad que implica distanciarse del relato para contarlo de la mejor manera posible? Una película emocionalmente compleja y, al tiempo, narrativamente
satisfactoria.
El conflicto en torno a los bebés criados por familia diferentes permite a Kore-eda contar, en el fondo, la película que ha contado a lo largo de toda su filmografía: un relato que le permita bucear en torno a la palabra familia y a su significado profundo. En el fondo es una película sobre un joven padre que debe aceptar que su auténtico hijo es aquel que, aún sin ser de su propia sangre, ha criado durante seis años, pero como suele ocurrir en el cine del
realizador es también una película en la que conviven muchas películas en su interior y cuyo desarrollo es siempre tan incierto como misteriosamente familiar. Quizás ahí descanse la mayor de las virtudes del cineasta: la dulce impresión de asistir a un fragmento de vida, tan real como ella y tan ensimismada como nosotros.

El relato familiar no termina al dibujar a los tres protagonistas. La otra familia, víctima también del intercambio, ayuda a perfilar con el desarrollo de las escenas un relato no tanto coral, sino familiar, una historia en la que los terrenos de pertenencia se desdibujan y el afecto se convierte en la única norma legítima para crear lazos de unión. El soberbio cuarteto de intérpretes adultos crean un retrato creíble por su diáfana naturalidad, emotivo desde lo físico, desde el dolor cercano y desde la creación de unos personajes complejos con necesidades también cercanas. Pero también está
presente el mayor de los tesoros de Kore-eda como cineasta: la dirección de actores en torno a los niños de la película, tan fresca y natural que rivaliza con los adultos a la hora de establecer duelos interpretativos.

Bethoveen y Bach en la banda sonora. Las Variaciones Goldberg suenan casi de manera ininterrumpida. La misma melodía, una y otra vez, bajo tratamientos formales diferentes. Quizás ese acercamiento a Bach revele también las intenciones de una película emotiva y conmovedora, pero una emoción no buscada ni explotada, sino filtrada a través de las rendijas de un relato sólidamente edificado, visualmente impecable, narrativamente sobrecogedor, tan ambiciosa en sus formas como sencilla en sus intenciones, llena además de hermosas interpretaciones.

26 de ene. de 2015

VENCIDXS

Divendres, 30 de gener, 2015.  Sala de Plens de l'Ajuntament, a les 20h. 


El documental serà presentat pel seu Productor i Director, Aitor Fernández



Fitxa tècnica

Guio: Pablo Rogero i Aitor Fernandez
Muntatge: Pablo Rogero
Música: Petaluda en Elm Street
Assessorament històric: Pablo Rodriguez
Grafisme. Jose Mª Salmeron

Producció i direcció: Aitor Fernandez

Sinopsi
Vencidxs",  és el documental més exhaustiu realitzat sobre la Memòria Històrica.  Per primera vegada en la historia del cine documental els últims supervivents de l’època més crucial de la nostra historia contemporània –l’experiència de la II República, la guerra civil i la posterior repressió franquista- s’uneixen per passar el testimoni a les joves generacions. Vencidxs recull histories de 117 persones de tota la geografia de l’estat espanyol  en un projecte obert, una proposta que lliga els relats particulars donant forma a la narració  d’uns dels capítols més negres de la nostra historia. 

Milicians i milicianes, republicans en el exercit franquista, gudaris, guerrillers urbans i rurals, enllaços de la guerrilla, fundadors dels sindicats actuals, presos polítics i socials dones sotmeses a humiliacions i purgues, detenidxs i torturadxs, sufragistes universals, exiliats i exiliades, “talps”, infants de l’auxili social, mares d’infants robats, evacuats a Rússia, treballadors forçosos, protagonistes de la revolució anarquista i les  col·lectivitzacions, brigadistes internacionals, soldats que van participar en afusellaments, familiars de segrestats i assassinats… s’uneixen per expressar opinions i aconsellar a les joves generacions  en el projecte de vida que segons totes les persones participants, els joves haurien de construir. 

L’ historia d’aquests 107 anónimxs -que no es coneixen entre ells però que des de distintes posicions socials i llocs narren les seves experiències vitals, construint una historia que amb tota seguretat serà un referent per  a les generacions joves actuals que volen agafar el testimoni de les lluites socials portades a terme en la II República i en la resistència antifranquista.

A Catalunya s’ha entrevistat a les següents persones:

Josep Camí Albà 1930 Seròs – Lleida. Testimoni de la guerra i la repressió
Josep Tarragó Clua 1917 Corbera d’Ebre – Tarragona. Soldat república, treballador forçós
Conxa Pérez Collado, 1915 Barcelona. Anarquista, miliciana, membre de  col·lectivitzacions, exiliada
Conxa Carretero Sanz, 1918, Barcelona, comunista, lluitadora a la rereguarda, resistent, torturada, presa política.
Armand de Fluvia i Escorsa, 1931 Barcelona. Testimoni de la repressió, resistent, lluitador contra la repressió a LGTB

Aquest es un projecte audiovisual ambiciós. Els productors han recorregut més de 12.000 kms., han gravat més de 160 hores d’entrevistes, de manera voluntària, sense subvencions i ajudes publiques..
Darrere de Vencidxs tampoc i ha partits polítics ni una productora capitalista. "Vencidxs" ha estat autogestionat por un equipo multidisciplinari de persones treballant  durant més de tres anys, que ha aconseguit els recursos implicant a més de cinquanta associacions i col·lectius relacionats amb la Memòria Històrica i la lluita social.  La gravació es va acabar  gràcies a la implicació —mitjançant un crowfunding— de centenars de persones.

19 de ene. de 2015

GLORIA


Direcció: Sebastián Lelio
Guió: Sebastián Lelio i Gonzalo Maza
País: Xile, Espanya, 2013
Fotografia: Benjamín Echazarreta
Música: Juan Ignacio Correa (supervisor)
Muntatge: Sebastián Lelio y Soledad Salfate
Interpretació: Paulina García, Sergio Hernández, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Coca Guazzini, Hugo Moraga, Alejandro Goic, Liliana García.
Durada: 110 minuts
Versió: original
Qualificació: No racomanada per a menors de 16 anys (si no van acompanyats)

Premis 2013 (entre d'altres): Millor actriu (Paulina García) al Festival de Berlin; Premis Goya: nominada a la millor pel·lícula hispanoamericana; Independent Spirit Awards: Nominada a Millor pel·lícula estrangera; Festival de San Sebastián: Premi Cine en construcción; Festival de La Habana: Tercer Premi Coral.

Sinopsi:
Gloria té 58 anys i viu sola. Omple els seus dies d'activitats i a les nits busca l'amor i la diversió en el món de les festes per solters adults. Aquesta fràgil felicitat en la qual viu s'altera quan coneix Rodolfo, un home de 65 anys, recentment separat, que s'obsessiona amb ella. Gloria comença un romanç, però aquest es complica per la malaltissa dependència de Rodolfo vers els seus fills i 
la seva exdona. Aquesta relació, a la que Gloria s'entrega perquè intueix que podria ser l'última, acabarà per estavellar-se contra la cruel realitat del món. Gloria haurà de reconstruir-se per enfrontar amb noves forces la seva definitiva entrada a la vellesa.

Cine que destila vida y libertad.

Por Mabel Salinas

Ya es prácticamente una convención social 
hablar de la crisis de los 40, de la mediana edad, pero las bofetadas dadas por la existencia y el paso del tiempo no necesariamente ocurren a una edad determinada.
“Gloria” tiene 58 años, se le acercan sigilosamente los 60, sus hijos son adultos y cada uno tiene su propia vida… Por si fuera poco, su matrimonio terminó más de una década atrás… Vive en completa soledad y sólo tiene tres lugares para refugiarse de su 
propia compañía.
El primero es el trabajo; el segundo su automóvil, pues mientras maneja por las calles chilenas realiza catarsis al son de “Eres”, de Napoleón; y, finalmente, por las noches acude a un club donde baila, canta y se abre a las posibilidades de conectar con alguien más. Está hambrienta de compartir su mundo.
Ataviada con sus mejores galas y al ritmo de la música disco (sobresale el tema “Duele, Duele”, de Frecuencia Mod), aquella que 
inferimos la remonta a su épocas de juventud, sale en busca de satisfacer su necesidad de afecto. ¿Acaso conocer a Rodolfo (Sergio Hernández) cumplirá con sus expectativas o será más gratificante aquel dicho que reza: “mejor sola que mal acompañada”?
Con base en un guión de Gonzalo Maza, quien se inspiró en la generación de su madre, poco retratada en el cine chileno, Sebastián Lelio nos ofrece un radiografía de la soledad y las ganas de vivir a pesar de 
haber cruzado el “umbral” de la juventud.
No obstante, las desilusiones que sufre la protagonista, sus alegrías y “travesuras”, las cuales comparte con el espectador, se perciben genuinas gracias a la realista interpretación de García, a veces una mujer frágil e insegura, en otras una guerrera dispuesta a explorar su sexualidad y defenderse de la ofensa.
Además de las transiciones emocionales por las que pasa su personaje, García 
también realiza escenas de cama, pues Lelio incluye desnudos explícitos, así como consumo de mariguana y alcohol.
Pero “Gloria” no es sólo un melodrama emocional sobre la crisis existencial, el amor, el desamor o incluso el rechazo, sino un ensayo sobre la dignidad y la defensa de la misma confrontados contra el perdón y la redención. ¿Qué es más importante? A cada quien le corresponde decidirlo.
Esta conmovedora cinta es una experiencia realista narrada con un ritmo cadencioso, en donde a veces los silencios y la meditación sustituyen a la verborrea; es una muestra de que los desengaños siempre están a la orden del día, pero al final lo importante es contar con uno mismo. Nunca es tarde para volver a empezar.

Crítiques professionals

"Gloria es una comedia dramática muy divertida, obra de madurez, profundidad y de percepción emocional. En ella no hay ni una sola nota falsa." David Rooney: The Hollywood Reporter 


"El gran logro de Gloria, la nueva película del escritor y director chileno que resulta astuta, sin pretensiones y conmovedoramente humana, es que reconoce ambos lados del temperamento de su heroína sin juicios o sentimentalismos." A. O. Scott: The New York Times 


 "Notable tragicomedia chilena. (...) tan sorprendente en su temática como audaz en sus imágenes." Carlos Boyero: Diario El País 


"La película cuenta la historia de una mujer sola (inmensa la actriz Paulina García) y lo hace con una gran sinceridad. (...) Ejemplar el uso calculado de lo que se calla y brutal el ruido de los silencios" Luis Martínez: Diario El Mundo 


 "Gloria es una bocanada de humanidad aplicada a través de una especie de boca a boca fílmico. Un trabajo de extrema intensidad emocional que seguramente no sería lo que es sin la interpretación de Paulina García" Javier Ocaña: Diario El País 

"Este retrato femenino se dibuja sin ninguna condescendencia y elude toda tentación al sentimentalismo, y sin embargo genera una adhesión inmediata del espectador" Sergi Sánchez: Diario La Razón 


10 de dic. de 2014

LA JAULA DORADA


Títol original: La cage dorée
Direcció: Ruben Alves
Guió: Ruben Alves, Jean-André Yerles i Hugo Gélin
País:  França, 2013
Fotografia: André Szankowski
Muntatge: Nassim Gordji Tehrani
Interpretació: Rita Blanco, Joaquim de Almeida, Roland Giraud, Chantal Lauby, Barbara Cabrita, Lannick Gautry, Maria Vieira, Miguel Alves (Com Miguel).
Durada: 90 minuts
Versió: original subtitulada en castellà
Qualificació: Apta per a tots els públics


Premis 2013: Premi del públic a l'Acadèmia del Cinema Europeu. Premi Cèsar a la millor òpera prima.






Sinopsi
Maria i José Ribeiro fa gairebé trenta anys que viuen i treballen en un elegant edifici d'un bon barri de París. Aquesta parella d'immigrants portuguesos cau bé a tothom al seu barri. Però el dia en què finalment se'ls presenta l'ocasió de tornar a Portugal en les millors condicions, ningú vol deixar que se'n vagin. Fins on seran capaços d'arribar per retenir-los? Però què volen ells? Tenen María i José, de veritat, ganes de marxar de França? D'abandonar la seva preciosa gàbia daurada?

La nostalgia del emigrante. Bloc de cine
La jaula dorada es una comedia con toques dramáticos sobre la inmigración y la pertenencia a un lugar.
El debut en el largo de Ruben Alves tiene mucho de esa nostalgia del inmigrante que, aunque haya vivido —e incluso nacido— en un país que no es el suyo durante casi toda una vida, sigue sintiéndose como un intruso. Y aún así, puede llegar a sentir nostalgia inversa cuando la posibilidad de un futuro mejor en tu tierra natal está tan cerca. Una premisa en la que percibimos ciertos toques autobiográficos del director
en su forma de retratar a la familia portuguesa y sus costumbres, frente al estilo de vida de la burguesía parisina para la que trabajan.
Con una narración y estilo amables, esta nostalgia se nos presenta de forma muy natural y con mucho sentido del humor, aunque como en todas las películas de este tipo, los tópicos y los choques culturales suelen estar a la orden del día.
Dicen que París es la segunda ciudad portuguesa con más habitantes después de Lisboa y que la gran parte de ellos son porteras de elegantes edificios y albañiles. En eso, 'La jaula dorada' sigue el 
tópico a rajatabla, para hablar también del problema de la diferencia de clases y nos presenta variopinto y colorido abanico de personajes secundarios que crean esa pequeño ghetto portugués en pleno barrio burgués de París.
Una casa portuguesa. Por Vargtimmen
Por desgracia o por fortuna, según se mire, los portugueses han sido y siguen siendo uno de los pueblos que más han tenido que emigrar en busca de un futuro. Su destino durante mucho tiempo era cruzar el charco y embarcarse hacia una nueva vida en Brasil o arriesgarse a emprender esa aventura en los Estados Unidos. Con el tiempo, en el siglo XX, se cambió esa tendencia y en plena dictadura de Salazar y a la par que el país se embarraba en las guerras coloniales, los destinos preferentes fueron Alemania, Luxemburgo y sobre todo Francia. 
El país galo vivía en las décadas de los 60 y de los 70 un crecimiento económico importante que atrajo en torno a un millón de portugueses, principalmente en el cinturón industrial de las afueras de París. La mala situación económica y laboral en su país de origen y la mayor información que se tenía de la realidad en otros países vecinos, donde se llegaba a ganar hasta 5 veces más de salario medio, hicieron que muchos dejaran atrás sus raíces en ocasiones para toda la vida. 
La película que nos ocupa La cage dorée, debut en el largometraje de Rubén Alves nos introduce, de un modo obviamente amable, en la realidad de esos 
portugueses que siguen instalados en Francia o que descienden de aquellos que dieron el paso anteriormente. 
Largometraje con vocación de comedia amable La cage dorée es una película que reproduce, tal vez en exceso, estereotipos portugueses perfectamente identificables y que en torno a ellos construye muchas veces su discurso o busca resultados cómicos a través de recurrir al bacalao, al oporto, al fado o a una saudade algo descafeinada
Es una película construida para resultar comercial, con un tono simpático, sin grandes espacios para el 
riesgo, que tal vez abusa del por otro lado genio musical de Rodrigo Leao, quien realiza una banda sonora a base de reinterpretar temas de su carrera, que nos deleita con temas emblemáticos de la historia musical portuguesa como, no podia faltar, la voz de Amalia Rodrigues, en este caso con un tema de los 50 "Uma casa portuguesa", en cuya letra se incluye una declaración de principios que se intenta reflejar en el carácter de la familia protagonista de la película y por extensión al portugués medio general "La alegría de la pobreza está en esta riqueza de dar y ser feliz".

16 de nov. de 2014

LE WEEK-END


dijous 20 de novembre a les 20:30 h - La Violeta

Direcció: Roger Michell
Guió: Hanif Kureishi
País:  Regne Unit, 2013
Fotografia: Nathalie Durand
Música: Jeremy Sams
Muntatge: Kristina Hetherington
Interpretació: Jim Broadbent, Lindsay Duncan, Jeff Goldblum, Olly Alexander, Judith Davis.
Durada: 93 minuts
Versió: original subtitulada en castellà
Qualificació: No racomanada a menors de 7 anys

Sinopsi:


Le week-end explica la història d'una parella britànica que viatja de Birmingham a París, ciutat que els dos van visitar per última vegada durant la lluna de mel. La seva intenció és rejovenir la relació. Allí es troben amb un vell amic (Jeff Goldblum) que els ofereix una nova visió de el que podria ser la vida i el matrimoni.

Le week-end va ser una de les pel·lícules més festejades de la passada edició del Festival Internacional de Cinema de Sant Sebastià. Una de les favorites per endur-se la Concha de 
Oro (que finalment va guanar la Cinta veneçolana Pelo Malo de Mariana Rondón.

Premis 2013:
Millor actor (Jim Broadbent) al Festival de San Sebastian.

Filmografia de Roger Michell
És el director de cintes de com Hyde Park on Hudson, Notting Hill, Venus, L'intrús i la inquietant i també bella cinta La mare.




Le week-end: mucho más que París
Per Sergio A. T.
Un matrimonio pseudo-crepuscular viaja de Birmingham a París un fin de semana
Pero no, avanzan los minutos y la historia va adquiriendo un color que probablemente no muchos esperaban.
Y es por eso que Le Week-End va más allá de conformarse en los típicos chistes, en la típica historia de un matrimonio adulto tratando de dar
un sentido a sus vidas; esto también lo tiene claro, pero de pronto aparecen factores como la nostalgia de la juventud tratada desde la visión de la rutina en la que se cae con los años, y es en ese punto en el que  el director Roger Michell empieza a exprimir todo el jugo de la cinta.
El trabajo de la pareja protagonista Jim Broadbent (premiado en San Sebastián por este papel) y Lindsay Duncan es admirable no
sólo por las grandes interpretaciones, sino que además éstas se apoyan en un guión muy bien escrito donde la riqueza de sus personajes se mantiene en un estado de constante crecimiento hasta el final de la película. Además, la aparición de Jeff Goldblum como nota que se cruza el desarrollo de la historia hace que la película adquiera un tono grandioso en su última parte.
París ya no es el que fue para ellos mientras sonríen con nostalgia mirando a la pantalla de plasma que muestra en calidad digital el baile
de ‘Bande à part’; las letras de Bob Dylan adquieren todo el sentido cuarenta años después de que las escucharan por primera vez, y “Pink Moon” les recuerda que el tiempo no es infinito. La búsqueda de esa escapatoria en el amor cómplice hará las delicias de todos los que decidan ver esta película, y hasta aquí puedo leer.

Le week-end
Per Sergo Montesinos


El director británico, Roger Michell, conocido por dirigir una de las comedias románticas más
emblemáticas de finales de los 90, Notting Hill y el novelista y guionista Hanif Kureishi vuelven a colaborar y tratar el tema de la madurez y vejez como ya hicieron en Mother y Venus.

En Le Week-End consiguen relatar en tono de humor una temática tan usada y compleja como es la relación de una pareja desde el punto de vista de la resistencia del amor. Aunque la película trate de un matrimonio en crisis, Kureishi consigue crear unos diálogos divertidos dentro de situaciones y momentos
realmente delicados entre Meg y Nick. Michell por su parte centra la mayoría de las escenas en los dos protagonistas, los sigue en todo momento y acerca la cámara para que el espectador sea testigo de su relación.
Lo mejor de la película está en las interpretaciones de la pareja protagonista, dos veteranos como Jim Broadbent y Lindsay Duncan. A Broadbent se le conoce por su rol de secundario en películas como, Moulin Rouge y las últimas entregas de Harry Potter. Lindsay Duncan es una actriz habitual en
series de televisión, como Roma, aunque también ha participado en films recientes como Una cuestión de tiempo. Ambos hacen un gran trabajo excelente y consiguen que la película se sostenga. Como secundario se encuentra Jeff Goldblum en el papel de amigo de Nick, un personaje de gran importancia al final de la película, ya que organizará una cena donde Nick y Meg se sincerarán el uno al otro.
Le Week-End es un agradable a la vez que agridulce retrato sobre las relaciones de pareja perfectamente interpretada por sus dos protagonistas, unos impresionantes Jim Broadbent y Lindsay Duncan.