20 abr. 2015

LOCKE

Projecció: 23 d'abril - 20:30 h. La Violeta

Títol original: Locke

Direcció i guió: Steven Knight
País:  Regne Unit/EUA, 2013
Fotografia: Haris Zambarloukos
Música: Dickon Hinchliffe
Muntatge: Justine Wright
Interpretació: Tom Hardy, Ruth Wilson, Tom Holland, Andrew Scott, Olivia Colman
Durada: 85 minuts
Versió: original, subtitunada
Qualificació: no recomanada per a menors de 12 anys

           
Premis 2014
Premis del Cinema Europeo: Millor muntatge. 4 nominacions
National Board of Review (NBR): Millor pel·lícula independent de l'any.
Crítics de Los Angeles: Millor actor (Hardy)
Festival de Venècia: Secció oficial llargmetratges (fuera de concurso).

Filmografia de Steven Knight: “Redención” (2013), el debut en la dirección de largometrajes de
Guionista: Promesas del este (2007), La isla siniestra (2010), Las crónicas de Narnia: la travesía del viajero del alba (2010), El símbolo perdido (2012), Negocios ocultos (2013)

Filmografia de Tom Hardy (selecció): Bronson (2008); Origen (2010); El topo (2011); Esto es la guerra  (2012); El
caballero: la leyenda renace (2012); Locke (2013); La entrega (2014); Mad Max, furia en la carretera (2014); Legend (2015); El niño 44 (2015); Cicero (2015)

Sinopsi:

Ivan Locke (Tom Hardy) és un prestigiós capatàs de grans obres que ha hagut de treballar molt de valent per aconseguir el seu somni. No obstant això, un dia, en la vigília del seu encàrrec més important, rep
una trucada que desencadena una sèrie d'esdeveniments que li donaran la volta a la seva família, al seu treball i fins a la seva ànima.

Locke és una pel·lícula inusual i arriscada, una teatralitzada road movie que combina el drama amb el thriller en un intens 'tour de force' que s'allunya de convencionalismes per esdevenir una de les propostes més sorprenents de l'any.

Por Sergio Montesinos
Las personas cometemos errores por naturaleza, algunos pueden ser insignificantes mientras que otros más importantes e irremediables conllevan a tener que tomar decisiones transcendentales e intentar conducirlos de la mejor manera posible. Precisamente un error del pasado es el desencadenante de la trama de ‘Locke’. Este es uno de esos filmes en los que es importante saber muy poco de
su argumento para poder disfrutar de él lo máximo posible.
El filme de Knight decide tratar sobre el error que ha cometido el protagonista y la necesidad que tiene de solventarlo.
Un filme tan minimalista en su apariencia como ‘Locke’ requiere de un guión muy calculado y elaborado para conseguir atrapar al espectador.
Uno de los mayores logros del personaje de Ivan Locke es su humanización, como espectador resulta sencillo entender el
comportamiento de Locke ante tal situación y consigue que se ponga en la piel del personaje y llegue a pensar en cómo actuaría si estuviera en la misma circunstancia. Con sus expresiones y gestos, Hardy consigue transmitir la serenidad que habita en Locke, que pese a la situación es capaz de decirse a sí mismo que será capaz de arreglar la situación y
que todo volverá a la normalidad. No resulta fácil para un actor estar solo en pantalla durante la totalidad del filme, pero Hardy con su interpretación sabe solventar esa dificultad perfectamente.

10 abr. 2015

UN MÓN QUE NO ÉS EL NOSTRE. Alam laysa lana


DIVENDRES 17 D'ABRIL . 20 HORES

A LA SALA DE PLENS DE L'AJUNTAMENT  



Direcció, guió i fotografia: Mahdi Fleifel
Productors: Mahdi Fleilfel i Patrick Campbell
Muntatge: Martin Brinkler i Ace Eyas Salman
País: Líban/Palestina
Any: 2013
Durada: 93 min
Idiomes: VO àrab amb subtítols en català


Sinopsis

Un món que no és el nostre és un retrat íntim, sovint humorístic, de tres generacions a l’exili al camp de refugiats d’Ein El-Helweh, al Líban.

La majoria de nosaltres donem per fet la nostra identitat i molt rarament ens preguntem qui som, d’on venim i què som. Això no passa amb la població palestina a la qual se’l demana constantment prova de la seva identitat perquè són la població originària d’un territori perpètuament negat i impugnat.

El director danès Fleifel presenta la vida de tres generacions en Ain al- Hilweh, el camp de refugiats palestins al sud del Líban on va passar la seva infantesa. Més de 70.000 persones hi  viuen des de fa 60 anys, en un kilòmetre quadrat. Basat en la riquesa de records personals, arxius familiars, i filmacions històriques, el film és un estudi sensible i il·lustrador  de la pertinència, de l'amistat, de la família en la vida de les persones per a les quals la despossessió és la norma i l’anhel la seva vida diària.


Rodat durant més de 20 anys per diverses persones de la mateixa família, el documental és molt més que un retrat familiar: és un intent de preservar el que s’està oblidant  i apuntar a allò que no hauria de ser mai esborrat de la memòria col·lectiva. Fleife encerta dirigint un film optimista y sincer sobre l’esperança en un món desesperat. 

El director
Encara que va néixer Dubai i créixer a Dinamarca, Mahdi Fleifel sempre ha sentit que Ein el-Helweh era casa seva. Quan tornava després de passar-hi les vacances d’estiu, es veia incapaç d’explicar als seus companys a quina mena de lloc havia anat. Això li va generar una necessitat compulsiva d’explicar històries sobre la família i amics que havia deixat al camp.

Amb els anys va heretar del seu pare l’obsessió per a gravar-ho tot. A través de la càmera, Mahdi troba que pot posar el camp en el seu context, i entendre millor les vides d’aquells que hi viuen. Filmar és assegurar la seva identitat i la memòria del lloc d’on prové.

Premis fins abril 2014

El documental s’ha presentat en 63 festivals i mostres de cinema, entre d’altres la Berlinale 2013, el Festival de Documentals de Munich 2013, Edinburgh International Film Festival 2013, Toronto International Film Festival, 2013, Montreal International Documentary Festival, 2014, Cambridge Film Festival 2013, Tokyo Docs 2013 i ha rebut més de 30 premis. 


13 mar. 2015

ALABAMA MONROE


Títol original: The broken circle breakdown
Direcció: Alex Van Groeningen
Guió: Alex Van Groeningen i Carl Joos
País:  Bèlgica, 2012
Fotografia: Ruben Impens
Música: Bjorn Eriksson
Muntatge: Nico Leunen
Interpretació: Veerle Baetens, Johan Heldenbergh, Nell Cattrysse, Geert Van Rampelberg, Nils de Caster, Robby Cleiren
Durada: 110 minuts
Versió: vose
Qualificació: No racomanada per a menors de 16 anys no acompanyats

Premis 2013
Oscar: Nominada a Millor pel·lícula de parla no anglesa; Festival de Tribeca: Millor guió i Millor actriu; Premis del ma Europeo: Millor actriu. 5 nominacions; Satellite Awards: Millor pel·lícula estranjera; Premis César: Millor pel·lícula estranjera; Festival de Berlín: Premi del Públic. Sección Panorama


Sinopsi:
Narra la història d'amor entre Elise i Didier. Ella té una botiga de tatuatges, ell toca el banjo en una banda. És amor a primera vista, malgrat les seves diferències. Ell parla, ella escolta. Ell és ateu i un ingenu romàntic. Ella té una creu tatuada al coll, i els peus a terra. La seva felicitat es completa amb el naixement de la petita Maybelle.
Un cercle complet de felicitat per a una parella molt poc convencional. Lluiten junts per la vida de la seva filla, i esperen que l'amor no
els abandoni quan més ho necessiten. L'amor pot amb el destí... de vegades.
La banda sonora, música country, més concretament, el 'bluegrass', és senzillament espectacular, jugant un paper essencial en la història. Ressona una vegada i una altra a les oïdes i acompanya impecablement totes i cada una de les escenes.


Por Roberto Resino
La vida puede ser maravillosa"; y también
trágica. En su afán de ser caprichoso, el destino golpea una y otra vez, para bien y para mal, y cuando asesta un mazazo, la dificultad de levantarse se multiplica. Pero es necesario seguir adelante; la vida está para vivirla, valga la redundancia, y siempre hay un resquicio, o dos, que dejan paso a la esperanza. Puertas en las que aparecen la familia, amigos, música o religión.
Cuatro elementos que se escenifican en Alabama Monroe, escrita y dirigida por Felix Van Groeningen y nominada al Oscar a
mejor película de habla no inglesa. La película tiene un comienzo 'in media res' muy típico, donde chico -Didier/Monroe, interpretado por Johan Heldenbergh-, músico, impulsivo, agnóstico y algo 'hipster' conoce a chica- Elise/Alabama, a la que da vida Veerle Baetens- radicalmente opuesta.
Ella es la más destacada, representando de forma magistral un registro con dos caras. Por un lado derrocha sensualidad y erotismo. Facetas que explota gracias a los
impresionantes tatuajes que cubren su cuerpo y que impactan visualmente. Baetens, premiada en Tribeca, posee una voz melodiosa y profunda que cala hasta los huesos. Una cualidad que da paso a su otra cara, la de una persona que sabe escuchar, ferviente creyente de una vida en el más allá.

Trágico drama
El inicio, pues, es de comedia romántica al uso. Pero nada más lejos de la realidad,
porque al poco de esta breve presentación de los protagonistas, la cinta nos golpea de forma dramática con la enfermedad de la hija de ambos, Maybelle. Un ángel terrenal que desgraciadamente padece leucemia a los siete años y actúa, sin quererlo, como agente provocador de la evolución de sus progenitores.
A partir de entonces y con la enfermedad de la niña como punta de lanza, se desarrollan toda una serie de emociones que se trasladan de la pantalla a la butaca. El
cineasta belga utiliza continuos saltos de espacio-tiempo para contarnos todo este torrente de sensaciones que emocionan y desgarran el alma. Cierto es que el recurso abusivo del flashback provoca en ocasiones desconcierto, al igual que la pasividad frente algunos acontecimientos históricos - los atentados del 11-S sin ir más lejos- que no casan con la personalidad de una familia sacudida por la tragedia y que invita a reflexiones muy interesantes.

Actualidad
Temas como el aborto, tratado sin embalajes y con mucha astucia; el drama del cáncer infantil o el eterno debate entre la separación de la ciencia y la religión están muy presentes a lo largo de la película. Con acierto, el director los aborda desde dos perspectivas muy distintas, personificadas en Elise y Didier, unidos por el amor y la 'música country'. Más concretamente, el 'bluegrass'.
En este sentido, la banda sonora es
sencillamente espectacular, jugando un papel esencial en la historia. Resuena una y otra vez en los oídos y acompaña impecablemente todas y cada una de las escenas. Secuencias donde también juega un rol importante la cultura estadounidense del último siglo, homenajeada en muchos momentos del metraje.
Salvando algunos escollos, el guión -premiado en el Festival de Tribeca- afortunadamente esquiva con inteligencia los clichés del melodrama clásico. Su
apabullante sinceridad y realidad hacen de Alabama Monroe una película necesaria que explora en cuestiones que tarde o temprano se presentan al común de los mortales. Un estudio sobre las relaciones humanas, el poder de las emociones y la capacidad para levantarse o ceder ante los reveses de la vida que no deja indiferente.

16 feb. 2015

DE TAL PADRE, TAL HIJO


Títol original: Soshite chichi ni naru
Títol internacional: Like father, like son
Direcció i guió: Hirokazu Kore-eda
País: Japó, 2013
Fotografia: Mikiya Takimoto
Música: Bach i Beethoven. Mereix un lloc especial un sol de piano del prestigios Takashi Mori i les Variaciones Goldberg de Bach interpretadas por Glenn Gould.
Muntatge: Hirokazu Kore-eda
Interpretació: Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, Lily Franky, Keita Ninomiya, Shogen Hwang, Jun Fubuki, Jun Kunimura.
Durada: 120 minuts
Versió: doblada al castellà
Qualificació: no racomanada a menors de 7 anys (no acompanyats)
           
Premis 2013:
Premi del Jurat, Festival de Cannes; Premi del Públic, Festival de San Sebastián

Filmografia (selecció):
2013: De tal padre tal hijo
2011: Milagro
2008: Still Walking (Caminando)
2006: Nadie sabe

Sinopsi:
Ryota, un arquitecte obsessionat per l'èxit professional, s'ha guanyat tot el que té treballant de valent, viu feliçment amb la seva dona i el seu fill de sis anys i està convençut que res pot espatllar la seva perfecta vida. Però un dia reben una trucada inesperada de l'hospital. Keita, el seu
fill de sis anys, no és el seu fill, l'hospital va cometre un terrible error i els va lliurar el nen equivocat. Després de conèixer a la família que ha criat amb amor al seu veritable fill durant sis anys, Ryota comença a preguntar-se si realment ha estat un pare.


Per La butaca azul
De tal padre, tal hijo presenta a una familia modelo en el seno y la tranquilidad de sus labores cotidianas. Apenas unos minutos de la rutina alrededor de una cena bastan para conocer y entender a sus tres personajes. La siguiente escena, en una sala del hospital donde nació el niño, plantea ya la premisa que vertebra la película: un análisis de sangre revela que aquel hijo no tiene relación genética alguna con sus padres. La secuencia anuncia no sólo el motivo central del relato, sino también la manera, sensible pero nunca afectada, con la que tratará el conflicto durante el resto de la
película.

La emoción viene de la contención y de la naturalidad, nunca del efectismo ni la sensiblería. Viene de la toma de decisiones de unos personajes que nos importan, de manera irremisible. La cámara estudia, en cada secuencia, cómo tomar la suficiente distancia entre los personajes para que un relato de indudable contenido emocional no se apodere del filme y lo abandone al cuento de lágrimas
impostadas que está a punto de ser. Se marcha de la escena cuando está a punto de irrumpir el llanto, para que las elipsis se conviertan en pozo de infortunios y que la película que quede pueda ser, así, un canto de esperanza. ¿Cómo convertir una historia así en una película convertida en auténtico tratado narrativo, pero al mismo tiempo que huya de la frialdad que implica distanciarse del relato para contarlo de la mejor manera posible? Una película emocionalmente compleja y, al tiempo, narrativamente
satisfactoria.
El conflicto en torno a los bebés criados por familia diferentes permite a Kore-eda contar, en el fondo, la película que ha contado a lo largo de toda su filmografía: un relato que le permita bucear en torno a la palabra familia y a su significado profundo. En el fondo es una película sobre un joven padre que debe aceptar que su auténtico hijo es aquel que, aún sin ser de su propia sangre, ha criado durante seis años, pero como suele ocurrir en el cine del
realizador es también una película en la que conviven muchas películas en su interior y cuyo desarrollo es siempre tan incierto como misteriosamente familiar. Quizás ahí descanse la mayor de las virtudes del cineasta: la dulce impresión de asistir a un fragmento de vida, tan real como ella y tan ensimismada como nosotros.

El relato familiar no termina al dibujar a los tres protagonistas. La otra familia, víctima también del intercambio, ayuda a perfilar con el desarrollo de las escenas un relato no tanto coral, sino familiar, una historia en la que los terrenos de pertenencia se desdibujan y el afecto se convierte en la única norma legítima para crear lazos de unión. El soberbio cuarteto de intérpretes adultos crean un retrato creíble por su diáfana naturalidad, emotivo desde lo físico, desde el dolor cercano y desde la creación de unos personajes complejos con necesidades también cercanas. Pero también está
presente el mayor de los tesoros de Kore-eda como cineasta: la dirección de actores en torno a los niños de la película, tan fresca y natural que rivaliza con los adultos a la hora de establecer duelos interpretativos.

Bethoveen y Bach en la banda sonora. Las Variaciones Goldberg suenan casi de manera ininterrumpida. La misma melodía, una y otra vez, bajo tratamientos formales diferentes. Quizás ese acercamiento a Bach revele también las intenciones de una película emotiva y conmovedora, pero una emoción no buscada ni explotada, sino filtrada a través de las rendijas de un relato sólidamente edificado, visualmente impecable, narrativamente sobrecogedor, tan ambiciosa en sus formas como sencilla en sus intenciones, llena además de hermosas interpretaciones.

26 ene. 2015

VENCIDXS

Divendres, 30 de gener, 2015.  Sala de Plens de l'Ajuntament, a les 20h. 


El documental serà presentat pel seu Productor i Director, Aitor Fernández



Fitxa tècnica

Guio: Pablo Rogero i Aitor Fernandez
Muntatge: Pablo Rogero
Música: Petaluda en Elm Street
Assessorament històric: Pablo Rodriguez
Grafisme. Jose Mª Salmeron

Producció i direcció: Aitor Fernandez

Sinopsi
Vencidxs",  és el documental més exhaustiu realitzat sobre la Memòria Històrica.  Per primera vegada en la historia del cine documental els últims supervivents de l’època més crucial de la nostra historia contemporània –l’experiència de la II República, la guerra civil i la posterior repressió franquista- s’uneixen per passar el testimoni a les joves generacions. Vencidxs recull histories de 117 persones de tota la geografia de l’estat espanyol  en un projecte obert, una proposta que lliga els relats particulars donant forma a la narració  d’uns dels capítols més negres de la nostra historia. 

Milicians i milicianes, republicans en el exercit franquista, gudaris, guerrillers urbans i rurals, enllaços de la guerrilla, fundadors dels sindicats actuals, presos polítics i socials dones sotmeses a humiliacions i purgues, detenidxs i torturadxs, sufragistes universals, exiliats i exiliades, “talps”, infants de l’auxili social, mares d’infants robats, evacuats a Rússia, treballadors forçosos, protagonistes de la revolució anarquista i les  col·lectivitzacions, brigadistes internacionals, soldats que van participar en afusellaments, familiars de segrestats i assassinats… s’uneixen per expressar opinions i aconsellar a les joves generacions  en el projecte de vida que segons totes les persones participants, els joves haurien de construir. 

L’ historia d’aquests 107 anónimxs -que no es coneixen entre ells però que des de distintes posicions socials i llocs narren les seves experiències vitals, construint una historia que amb tota seguretat serà un referent per  a les generacions joves actuals que volen agafar el testimoni de les lluites socials portades a terme en la II República i en la resistència antifranquista.

A Catalunya s’ha entrevistat a les següents persones:

Josep Camí Albà 1930 Seròs – Lleida. Testimoni de la guerra i la repressió
Josep Tarragó Clua 1917 Corbera d’Ebre – Tarragona. Soldat república, treballador forçós
Conxa Pérez Collado, 1915 Barcelona. Anarquista, miliciana, membre de  col·lectivitzacions, exiliada
Conxa Carretero Sanz, 1918, Barcelona, comunista, lluitadora a la rereguarda, resistent, torturada, presa política.
Armand de Fluvia i Escorsa, 1931 Barcelona. Testimoni de la repressió, resistent, lluitador contra la repressió a LGTB

Aquest es un projecte audiovisual ambiciós. Els productors han recorregut més de 12.000 kms., han gravat més de 160 hores d’entrevistes, de manera voluntària, sense subvencions i ajudes publiques..
Darrere de Vencidxs tampoc i ha partits polítics ni una productora capitalista. "Vencidxs" ha estat autogestionat por un equipo multidisciplinari de persones treballant  durant més de tres anys, que ha aconseguit els recursos implicant a més de cinquanta associacions i col·lectius relacionats amb la Memòria Històrica i la lluita social.  La gravació es va acabar  gràcies a la implicació —mitjançant un crowfunding— de centenars de persones.

19 ene. 2015

GLORIA


Direcció: Sebastián Lelio
Guió: Sebastián Lelio i Gonzalo Maza
País: Xile, Espanya, 2013
Fotografia: Benjamín Echazarreta
Música: Juan Ignacio Correa (supervisor)
Muntatge: Sebastián Lelio y Soledad Salfate
Interpretació: Paulina García, Sergio Hernández, Diego Fontecilla, Fabiola Zamora, Coca Guazzini, Hugo Moraga, Alejandro Goic, Liliana García.
Durada: 110 minuts
Versió: original
Qualificació: No racomanada per a menors de 16 anys (si no van acompanyats)

Premis 2013 (entre d'altres): Millor actriu (Paulina García) al Festival de Berlin; Premis Goya: nominada a la millor pel·lícula hispanoamericana; Independent Spirit Awards: Nominada a Millor pel·lícula estrangera; Festival de San Sebastián: Premi Cine en construcción; Festival de La Habana: Tercer Premi Coral.

Sinopsi:
Gloria té 58 anys i viu sola. Omple els seus dies d'activitats i a les nits busca l'amor i la diversió en el món de les festes per solters adults. Aquesta fràgil felicitat en la qual viu s'altera quan coneix Rodolfo, un home de 65 anys, recentment separat, que s'obsessiona amb ella. Gloria comença un romanç, però aquest es complica per la malaltissa dependència de Rodolfo vers els seus fills i 
la seva exdona. Aquesta relació, a la que Gloria s'entrega perquè intueix que podria ser l'última, acabarà per estavellar-se contra la cruel realitat del món. Gloria haurà de reconstruir-se per enfrontar amb noves forces la seva definitiva entrada a la vellesa.

Cine que destila vida y libertad.

Por Mabel Salinas

Ya es prácticamente una convención social 
hablar de la crisis de los 40, de la mediana edad, pero las bofetadas dadas por la existencia y el paso del tiempo no necesariamente ocurren a una edad determinada.
“Gloria” tiene 58 años, se le acercan sigilosamente los 60, sus hijos son adultos y cada uno tiene su propia vida… Por si fuera poco, su matrimonio terminó más de una década atrás… Vive en completa soledad y sólo tiene tres lugares para refugiarse de su 
propia compañía.
El primero es el trabajo; el segundo su automóvil, pues mientras maneja por las calles chilenas realiza catarsis al son de “Eres”, de Napoleón; y, finalmente, por las noches acude a un club donde baila, canta y se abre a las posibilidades de conectar con alguien más. Está hambrienta de compartir su mundo.
Ataviada con sus mejores galas y al ritmo de la música disco (sobresale el tema “Duele, Duele”, de Frecuencia Mod), aquella que 
inferimos la remonta a su épocas de juventud, sale en busca de satisfacer su necesidad de afecto. ¿Acaso conocer a Rodolfo (Sergio Hernández) cumplirá con sus expectativas o será más gratificante aquel dicho que reza: “mejor sola que mal acompañada”?
Con base en un guión de Gonzalo Maza, quien se inspiró en la generación de su madre, poco retratada en el cine chileno, Sebastián Lelio nos ofrece un radiografía de la soledad y las ganas de vivir a pesar de 
haber cruzado el “umbral” de la juventud.
No obstante, las desilusiones que sufre la protagonista, sus alegrías y “travesuras”, las cuales comparte con el espectador, se perciben genuinas gracias a la realista interpretación de García, a veces una mujer frágil e insegura, en otras una guerrera dispuesta a explorar su sexualidad y defenderse de la ofensa.
Además de las transiciones emocionales por las que pasa su personaje, García 
también realiza escenas de cama, pues Lelio incluye desnudos explícitos, así como consumo de mariguana y alcohol.
Pero “Gloria” no es sólo un melodrama emocional sobre la crisis existencial, el amor, el desamor o incluso el rechazo, sino un ensayo sobre la dignidad y la defensa de la misma confrontados contra el perdón y la redención. ¿Qué es más importante? A cada quien le corresponde decidirlo.
Esta conmovedora cinta es una experiencia realista narrada con un ritmo cadencioso, en donde a veces los silencios y la meditación sustituyen a la verborrea; es una muestra de que los desengaños siempre están a la orden del día, pero al final lo importante es contar con uno mismo. Nunca es tarde para volver a empezar.

Crítiques professionals

"Gloria es una comedia dramática muy divertida, obra de madurez, profundidad y de percepción emocional. En ella no hay ni una sola nota falsa." David Rooney: The Hollywood Reporter 


"El gran logro de Gloria, la nueva película del escritor y director chileno que resulta astuta, sin pretensiones y conmovedoramente humana, es que reconoce ambos lados del temperamento de su heroína sin juicios o sentimentalismos." A. O. Scott: The New York Times 


 "Notable tragicomedia chilena. (...) tan sorprendente en su temática como audaz en sus imágenes." Carlos Boyero: Diario El País 


"La película cuenta la historia de una mujer sola (inmensa la actriz Paulina García) y lo hace con una gran sinceridad. (...) Ejemplar el uso calculado de lo que se calla y brutal el ruido de los silencios" Luis Martínez: Diario El Mundo 


 "Gloria es una bocanada de humanidad aplicada a través de una especie de boca a boca fílmico. Un trabajo de extrema intensidad emocional que seguramente no sería lo que es sin la interpretación de Paulina García" Javier Ocaña: Diario El País 

"Este retrato femenino se dibuja sin ninguna condescendencia y elude toda tentación al sentimentalismo, y sin embargo genera una adhesión inmediata del espectador" Sergi Sánchez: Diario La Razón