EVA

Direcció:  Kike Maíllo

Guió: Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca i Aintza Serra

País: Espanya i França, 2011

Fotografia: Arnau Valls Colomer

Música: Sacha Galperine, Evgueni Galperine

Muntatge: Elena Ruiz

Interpretació: Daniel Brühl, Marta Etura, Alberto Ammann, Lluís Homar, Claudia Vega,, Anne Canovas, Sara Rosa Losilla, Manel Dueso,

Durada: 94 minuts

Versió: original

Calificació: Apta per a tots els públics

Premis (entre d'altres):

- Millors efectes especials al Festival de Sitges

- Goya al millor actor secundari (lluís HomarI i millors efectes especials.

- 12 nominacions als Premis Goya, 16 als premis Gaudí i

10 nominacions als CEC

 (Círculo de escritores cinematográficos)

- Premi del Públic al Festival de cinema fantàstic de Gérardmer

- Gran Premi del Jurat al Festival de Ciència ficció de Nantes

Sinopsi:

Any 2041. Un futur proper en què els éssers humans viuen acompanyats de criatures mecàniques. Álex, un prestigiós enginyer cibernètic, torna a Santa Irene amb un encàrrec 

molt específic de la Facultat de Robòtica: la creació d'un nen robot. Durant deu anys d'absència, la vida ha seguit el seu curs per al seu germà David i per Llana, que, després de la marxa d'Álex, ha refet la seva vida. La rutina d'Álex es veurà alterada de forma casual i inesperada per Eva, la increïble filla de Lana i David, una nena especial, magnètica, que des del primer moment estableix una relació de complicitat amb Álex. Junts emprendran un viatge que els precipitarà cap a un final 

revelador.

Fantàstic debut de Kike Maíllo, que proposa una raresa en la nostra cinematografia: una pel·lícula de ciència ficció ambientada en un futur d'aspecte retro amb les relacions entre humans i robots com a tema central. A celebrar.

Escrit per José Arce«Què veus quan tanques els ulls?». El cineasta, primer alumne i ara professor d'aquesta suggerent i necessària fàbrica de 

talents anomenada ESCAC, es revela com cinèfag empedreït i talent a tenir en compte a l'hora de configurar un espectre tècnic realment notable, amb una molt bona visió a l'hora de compondre i disposar els plans, narrant amb intel·ligència i recolzat en un muntatge serè ─ una mica erràtic, això sí ─, una fotografia que realça la bellesa de les localitzacions ─ el rodatge va tenir lloc a Suïssa i al Pirineu aragonès ─ i una banda sonora ajustada que ja des dels mateixos crèdits inicials atorga un màgic halo elfmaniano / burtoniano a la 

història. La integració de la tecnologia futurista està molt aconseguida, en un conjunt que es beneficia d'un look retro potenciat per una cura i atenta direcció artística que esquiva amb compte les limitacions pressupostàries.
A més, el guió de Sergi Belbel, Cristina Clemente, Martí Roca i Aintza Serra tracta amb delicadesa els paràmetres morals de les històries clàssiques que enfronten humans i intel·ligència artificial ─ es tracta amb encert la ruptura de la Segona Llei d'Asimov ─, aconseguint cotes de lirisme visual i emocional 

realment interessants. En conjunt, "Eva" compta amb prou elements positius com per superar la feblesa del seu element més humà. Una alegria.

EVA, escrit per Jesús Jiménez 

"Eva es una historia emotiva que pretende ser una lección sobre la imperfección del ser humano", según el director novel Kike Maíllo, que ha protagonizado un esperanzador debut con esta inquietante película en la que el gran 

protagonista son los sentimientos, tanto de humanos como de máquinas. Y que ha cosechado estupendas críticas en festivales tan distintos como Sitges y Venecia.

"Cuando los robots sean tan sofisticados como los humanos serán tan imperfectos como los humanos", asegura Maíllo, que ha confesado que su intención era hablar de la condición humana tomando como pretexto las máquinas del futuro.

Un joven realizador al que auguramos una nominación al Goya al director Novel (aparte 

de otras en los apartados técnicos, como los estupendos efectos especiales, que han triunfado en Sitges).

Y una interesante película que, a veces recuerda a Inteligencia Artificial (Spielberg) por su planteamiento, pero cuyo desarrollo es muy, muy diferente.

Un elenco protagonista de lujo

En la película, el actor Daniel Brühl es Alex, un joven diseñador de máquinas que vuelve al pueblo en el que creció con la intención de dar 

vida a un robot, pero sus expectativas se ven condicionadas por la aparición de Eva, una niña muy especial, y su reencuentro con Lana (Marta Etura), su antiguo amor, que ahora está casada con su hermano.

La otra pareja protagonista es la formada por Etura y Alberto Ammann (que repiten como novios tras Celda 211); un joven y exitoso matrimonio, los padres de la niña Eva y que ocultan un secreto que será el desencadenante de toda la trama.

Mención aparte merece Eva (Claudia Vega). Escogida entre miles de niños y tras visitar decenas de escuelas, es el descubrimiento de la película y el motor de la historia. La niña asegura que, de mayor, "Quiero ser actriz".

Su nominación a los Goya estaría cantada si no fuera por la nueva regla que impide premiar a los menores.

Luis Homar, en el papel de un avanzado mayordomo robot también está genial en su papel del robot más humano. Y destacamos el estupendo diseño de los robots, sobre todo el 

del gato-mascota.

Estupendos efectos especiales

Lleno de efectos especiales y con un gran trabajo de postproducción digital, Maíllo ha reivindicado a través de su película la capacidad de la industria española para rodar un filme de estas características, unas posibilidades de las que dudaba incluso el protagonista cuando le ofrecieron el papel.

"Una 'peli' de robots 'made in Spain' y con un 

director que no conozco, no sé yo...", ha bromeado Brühl, que se ha mostrado impresionado por el resultado final de un rodaje en el que pasó la mayor parte del tiempo haciendo movimientos en el vacío, con la única ayuda de un 'croma key' y mucha imaginación.

Las secuencias de creación de los sentimientos de los robots, que recuerdan a otra película de Spielberg (Minority report) son brillantes. Al igual que una tensa secuencia de enfrentamiento entre uno de los autómatas y Brülh.

En fin, un intrigante e inteligente debut, en un 

género tan ignoto para el cine español como la ciencia ficción, que nos hace esperar grandes cosas de Kike Maíllo.

Trailer

LES AVENTURES DE TADEO JONES

Direcció: Enrique Gato

País: Espanya, 2012

Durada: 92 minuts

Doblatge: Óscar Barberán (Tadeo), José Mota (Freddy), José Corbacho (Freddy en la versió catalana), Michelle Jenner (Sara),

Guió: Javier Barreira, Gorka Magallón, Ignacio del Moral, Jordi Gasull y Neil Landau.

Música: Zacarías M. de la Riva.

Qualificació: Apta per a tots els públics.

Con es va fer (Making of). Entrevistes i més informació: http://www.labutaca.net/trailers/las-aventuras-de-tadeo-jones-3d-como-se-hizo

Sinopsi:

A Tadeu, un paleta somiador, el confonen amb un famós arqueòleg i l’envien d’expedició al Perú per evitar l’espoli dels tresors de Paiti, la mítica ciutat perduda dels inques.

Les aventures de Tadeo Jones és una pel·lícula senzilla, amena i familiar, una obra que en cap moment pretén emular meravelles com Up o Com ensinistrar un drac, sinó que busca convertir-se en un succedani de les 

últimes entregues de Shrek i d'altres correctes llargmetratges de dibuixos animats que ens arriben des de Hollywood.

La creació del personatge de Tadeo Jones es va produir quan, el 2001, Enrique Gato buscava donar-li a la seva obra un toc de més d'humor i acció i va optar per parodiar Indiana Jones. No obstant, el projecte no començaria fins a dos anys després quan va començar a 

redactar el guió que li serviria per portar-lo a la gran pantalla.

Desenvolupament

En un primer moment, el model d'en Tadeo era molt senzill i amb ell es va fer una prova d'animació facial, amb 4 gestos bàsics, i un test d'animació usat com teaser, observant el director que havia opcions per convertir-se en 

el protagonista d'un curtmetratge.

Per al segon curtmetratge, el director volia mostrar alguna cosa sobre la vida personal del personatge, cosa que no es mostrava al anterior, com era el barri on viu i els seus gustos alimentaris.

Els realitzadors van muntar a l'abril de 2008 el seu propi estudi de animació Lightbox 

Entertainment per produir pel·lícules d'animació 3D per a un mercat global. A partir d'aquest moment van començar a realitzar el llargmetratge Les aventures de Tadeo Jones amb Tadeo com a protagonista, on ell és un obrer de la construcció que en les seves estones lliures es dedica a la arqueología.

Crítiques Professionals

Fausto Fernández, de la revista cinematogràfica espanyola Fotogrames, li va posar una puntuació de tres estrelles sobre cinc, qualificant-la com la millor pell·ícula d'animació espanyola de la història, on va aprovar la qualitat dels seus efectes visuals i els personatges de repartiment. També va afegir que no té res a envejar a títols amb major 

pressupost.

Carmen L. Llop, del diari La Razón, li va posar una puntuació de tres estrelles sobre cinc, qualificant-la com una història càndida, molt influïda pels còmics i trepidant despullada de qualsevol doble sentit maliciós i plena, així mateix, d'escenes que semblen extretes d'un videojoc, afegint que els escenaris on es desenvolupen resulten impresionantes.

Per la seva banda Jordi Batlle Caminal de La Vanguardia, va escriure que «l'animació és d'alt nivell. Els secundaris estan dissenyats amb enginy. En definitiva, és un producte molt digne». També va ser qualificada amb una puntuació de tres punts sobre quatre.

INTOCABLE

Títol original: Intouchables

Guió i direcció: Eric Toledano i Olivier Nakache

País: França 2011

Fotografia: Mathieu Vadepied

Música: Ludovico Einaudi

Muntatge: Dorian Rigal.Ansous

Interpretació: François Cluzet, Omar Sy, Audrey Fleurot, Anne Le Ny, Clotilde Mollet, Alba Gaïa Bellugi, Cyril Mendy, Christian Ameri

Durada: 115 minuts

Versió: doblada al castellà

Qualificació: No recomanada per a menors de 7 anys.

Premis: Nominada a nou premis César. Omar Sy va guanyar en la categoria de millor actor. Va clausurar la Secció Oficial del Festival de San Sebastián 2011.

Sinopsi: Després d’un accident, Philippe, un home molt ric, queda tetraplègic i ha de buscar algú com assistent i cuidador. Contractarà Driss, un jove negre procedent d’un barri i d’una família marginals, que ha estat a la presó, i que és manifestament poc apte per aquesta feina.

Escrit per Mª Teresa Minguijón

La gran diferència entre tots dos respecte a la classe social, la cultura, l’educació, que fa preveure un ràpid acomiadament de Driss, es resolt, no obstant, en l’esclat d’una gran amistat, que saltarà totes les barreres i que aportarà a Philippe tot un seguit d’experiències mai no pensades.

El film està basat en un documental titulat “A la vie, a la mort”, que narra la trobada entre Philippe Pozzo di Borgo, paraplègic, i Abdel, el seu ajudant. 

Com la pròpia realitat en que està basada, la pel·lícula 
ens explica una història increïble, plena d’humor, entre gent que ha d’enfrontar-se a situacions extremes i encara i així no perd gens ni mica les ganes de viure. És, en definitiva, tota una lliçó de vida.

Intocable: La extraña pareja (ver tráiler)

Escrito por José Arce

Estupenda comedia dramática que no abusa del lacrimal del espectador y arranca sanas y sinceras carcajadas. Una gran pareja central se luce en esta celebración de la vida y la amistad altamente recomendable.  

Más allá de su idealización cinematográfica como fábula inspirada en hechos reales, la historia que presentan Eric Toledano y Olivier Nakache triunfa 
por la naturalidad de su discurso. 

Los cineastas consiguen emocionar sin abusar del lacrimal del respetable mediante forzadas incisiones en el dolor del rico atado a la silla de ruedas ni en la situación social del inmigrante negro de barriada marginal; y por la parte cómica, las andanzas de la pareja improbable pero cierta arrancan carcajadas nacidas de lo que realmente importa aquí: la esencia humana de cada uno, la que permite superar barreras y mirar más allá de lo que tenemos delante.

Toledano y Nakache ruedan con una sencillez tal que 
prácticamente olvidamos el ojo de la cámara, aunque los méritos esenciales de Intocable residen de manera colosal en el dúo principal, que destila una química fantástica. 

François Cluzet está tremendo lanzando todo un recital emocional sin más apoyo que su rostro y escasos movimientos de cabeza; y Omar Sy se luce desde un personaje indiscutiblemente carismático e irresistible, pura presencia y encanto. Una agradable demostración de que todos estamos hechos de la misma pasta. Aunque a algunos no les guste.

Intocable: Amistad sin barreras

Escrito por Jordi Revert                       

Recomendada para apasionados de las amistades más allá de las diferencias.

Philippe (François Cluzet) es un millonario tetrapléjico que necesita un asistente y cuidador. Su elección no es la que cabría esperar en un principio: Driss (Omar Sy), un joven recién salido de prisión y procedente de un barrio de viviendas públicas, es el 
escogido. A pesar de que no parece la persona más preparada, pronto nace entre ellos una gran amistad en la que comparten toda clase de experiencias.

El éxito de Intocable no acaba con la gran asistencia a las salas de cine: la cinta fue nominada a 9 premios César —Omar Sy ganó en la categoría de Mejor Actor— y fue premiada en el Tokyo International Film Festival, además de ser la película que clausuró la Sección Oficial del Festival de San Sebastián 2011.
Se trata del cuarto largometraje que firman en colaboración los directores Olivier Nakache y Eric Toledano. El origen de Intocable se encuentra en el documental “A la vie, a la mort”, que narraba el encuentro entre Philippe Pozzo di Borgo, tetrapléjico, y un joven llamado Abdel. Años después de ver aquel documental, Nakache y Toledano decidieron retomarlo para llevarlo al cine en calidad de ficción:  «Tenía todo cuanto buscábamos: una historia increíble, un tema potente, mucho humor… Y más allá de eso, todo cuanto Olivier y yo admiramos: gente que, en situaciones extremas, no pierde su 

sentido del humor y mantiene el optimismo. Al fin y al cabo, así es cómo funcionamos cotidianamente: éramos conscientes de que teníamos cosas que decir de un tema como éste», explica Toledano.

Así pues, tras reunirse con Philippe Pozzo di Borgo y recibir su bendición, el tándem se puso a trabajar en el proyecto y fue el propio François Cluzet quien leyó el guion sin que los directores lo supieran:  «François es un actor genuinamente intenso», cuenta Nakache. «Ese papel exigía una preparación enorme. No podía presentarse el día antes del rodaje, sentarse en una silla de ruedas, y comenzar a ensayar la respiración y el sufrimiento… sin haberlo trabajado de antemano. Como prometió, asumió el desafío». 

COMENTARIS PROFESSIONALS

El argumento está basado en una historia real que los directores vieron en un documental en el año 2004. Fue en Francia un extraordinario éxito de público, estando 10 semanas consecutivas como nº1 de taquilla, lo que la convirtió en la película más taquillera de la historia de Francia. Además en abril de 2012, se convirtió en el film de habla no inglesa más taquillero de la historia del cine.
FILMAFFINITY

                   

"Una comedia que reconcilia lo irreconciliable

(...) El éxito de la película reside en la evidente química entre los dos hombres, que no podrían adaptarse mejor a la historia y los personajes. (...)
Christophe Narbonne: Premiere

                   

"Magnífica, hilarante, humanista, inteligente y fresca. E. Rodríguez Marchante: Diario ABC 


"Gracias a un brillante guión, Intocable tiene la habilidad de convertir asuntos cargados de tensión –marginalidad de arrabal, el color de la piel, la pobreza– en entretenimiento despojado 
de mala conciencia. Salvador Llopart: Diario La Vanguardia

"Está rodada primorosamente (...) tiene un toque asumible de cine social (...) Y puede resultar tan divertida, gamberra y desacomplejada que ni siquiera te hará sentir culpable. Carlos Marañón: Cinemanía 


"Las claves de la eficacia de Intocable son una huida de la compasión, una escritura cuidadosa de los personajes y un uso

extraordinario del humor. Desirée de Fez: Fotogramas

EL BOSC

Títol original: El bosc
Direcció: Óscar Aibar
Guió: Albert Sánchez Piñol. Basat en un relat propi
País:  Espanya, 2012
Fotografia: Mario Montero
Música: Albert García Demestres
Muntatge: Bernat Vilaplana
Interpretació: Àlex Brendemühl, Maria Molins, Pere Ponce, Tom Sizemore, Josep Maria Domènech, Benjamin Nathan-Serio
Durada: 98 minuts
Versió: original
Calificació: No recomanada per a menors de 7 anys 

Sinopsi
L'any 1936 esclata la Guerra Civil i les milícies anarquistes prenen el poder al Baix Aragó. Allà, Ramon i la seva dona Dora amaguen un secret ancestral: unes misterioses llums apareixen al costat del bosc que envolta la seva masia. Segons la tradició familiar, aquestes llums són una porta a un altre món del qual ningú torna. Quan Lo Coixo, un anarquista enamorat de Dora, intenta acabar amb Ramon, aquest es veurà obligat a entrar en els llums i desaparèixer. Dora resistirà a la guerra i l'assetjament de Lo Coixo amb l'única ajuda d'un oficial de les brigades internacionals i d'un vell anarquista, fins que Ramon reapareix des del més enllà.

COMENTARIS PROFESSIONALS

En Platillos volantes (2003), la película más austera y radical de un Óscar Aibar que no ha dejado de sorprender y alterar sus registros tras el debut problemático que supuso Atolladero (1995), un payés narraba, con desparpajo coloquial, el aterrizaje de un ovni en su huerto ante el cándido asombro de unos jóvenes aficionados a la ufología. El bosc parece emanar de esa secuencia: una masía, una puerta dimensional y la Guerra Civil como telón de fondo son los dispares elementos que maneja Aibar sin recurrir a la distancia irónica, ni al ya gastado choque cómico entre costumbrismo español y claves fantásticas percibidas como algo ajeno, inasumible para

una mirada condicionada por años de tradición realista.

Albert Sánchez Piñol adapta su relato El bosc, incluido en el libro Les edats d’or, tomando decisiones razonables para adensar las relaciones entre sus personajes. Se pierde por el camino algo del controlado humor del original y se subraya demasiado —en especial con la llegada de los brigadistas— el sentido último de la historia: que todos somos el Otro del Otro y que una Guerra Civil, más que conflicto de otredades, es encrucijada de

prejuicios. La película entra en la tradición abierta por El espíritu de la colmena (1973) y mutada en El espinazo del diablo (2001) y El laberinto del fauno (2006) y logra romper inercias de representación y caracterización referidas a ese periodo histórico. Podría ser un buen episodio de Twilight Zone o Historias para no dormir, pero es una película insólita, fresca y sorprendente que confirma la sana anomalía del toque Aibar. JORDI COSTA. EL PAÍS

...Deslumbra por la audacia de sus planteamientos y el alcance del mensaje moral que sitilmente desliza en una inquietante historia, que está perfectamente construida y cuenta con unas potentes relaciones entre sus personajes. El sorprendente y emotivo epílogo sigue demostrando que el cineasta trabaja sin sed y esto es algo muy de agradecer y valorar en los tiempos que corren. PEDRO URIS. CARTELERA TURIA

Aunque mezcla los dos mismos ingredientes,

un relato fantástico y el contexto de la guerra civil española o la posguerra, nada que ver entre el último filme de Óscar Aibar, un kamikaze del género como ha demostrado en Atolladero o Platillos volantes, con las dos películas de Guillermo del Toro, El espinazo del diablo y El laberinto del fauno. Aibar ensaya una suerte de fantástico-rural en el que la contienda civil, la amenaza del fascismo que avanza hacia la zona de Teruel o la enemistad entre las fuerzas anarquistas de la zona y los brigadistas internacionales funcionan como

apoyo emocional, como decorado argumental. Lo que le interesa a Aibar es flirtear con géneros y tonalidades distintas (hay melodrama, fantástico, cine rural, incluso comedia) y llevar a veces hasta el límite sus ideas: los pasajes finales son, en este sentido, una demostración de la libertad que ha tenido el cineasta en un género que es flexible, cierto, pero también muy codificado. Aibar sugiere y muestra, y las dos cosas conviven bien cuando generalmente lo hacen mal. La historia va de la noche de San Lorenzo, la más cálida del año, a 

la de San Blas, la más fría, y fluye a partir de un elemento alienígena instalado en el cuerpo de un relato rural sobre la guerra civil. La esfera verdosa e intangible situada en un montículo de árboles circulares puede trasladarnos a otros mundos, y desde ellos, y a partir de la visión de un campesino, se contempla la estupidez de la condición humana cuando la guerra realiza sus estragos. QUIM CASAS. EL PERIODICO

“El bosc: Luces verdesEscrit per José Arce

Dos noches al año aparecen unas extrañas luces verdes a escasos metros de la masía de Ramón (Álex Brendemühl) y Dora (María Molins). Irregular pero necesario en nuestro espectro cinematográfico por su valentía al margen de tendencias y modas, Óscar Aibar regresa a la dirección con El bosc, adaptación del cuento de Albert Sánchez Piñol que queda como un nuevo ejemplo de que el género

fantástico sigue en plena forma en nuestro país. «Por San Lorenzo y San Blas de casa nunca saldrás». Y es que la historia es muy sugerente, ambientada en el eterno fratricidio que el séptimo arte nacional se resiste a dejar de reflejar en pantalla pero desde un punto de vista novedoso más allá de su elemento de ciencia ficción; aquí los rojos marcan la fuerza opresora, y de sus disensiones internas ─que nada ayudaron durante el desarrollo del conflicto─ nacen los ángeles y demonios que circundan este cuento frío pero pintorescamente esperanzado.   

El bosc: El fantástico ocultoEscrit per Jordi Revert
 Extraño infiltrado en el cine español, el cine de Óscar Aibar tanto ha sido capaz de entregarse al más improbable fantástico (“Atolladero”, “Platillos volantes”) como  a la variante francotiradora de ese costumbrismo orgulloso de la picaresca autóctona (“El gran Vázquez”). El bosc (veure tràiler), surgida a partir de una historia de Albert Sánchez Piñol, es una vuelta ciertamente desconcertante a la primera 

opción. Desconcertante por desplazar a una subtrama invisible, solo narrada de boca de un personaje, la parte fantástica del relato; pero también, por proyectarla en una narración central en torno a la Guerra Civil que viene a invertir, exagerar y estirar los estereotipos armados por toda una tradición de representación de la contienda.
 En esa subversión del dibujo habitual, la cinta podría acercarse a ser el inesperado reflejo de “El laberinto del fauno” (Guillermo del Toro, 

2006): un diálogo entre dos dimensiones, la real y la fantástica, en la que la primera revienta los límites del realismo mediante la caricatura de sus personajes —aquí, soldados republicanos como villanos de la función, representados en un permanentemente cabreado Pere Ponce—, y la segunda invade el terreno de lo cotidiano para apoderarse de su normalidad —la mandrágora en la película de Del Toro, las hortalizas de la otra dimensión, en la que nos ocupa—. El problema es, que como en aquella, y a diferencia de la 

sutilmente turbia “Pa negre (Pan negro)” (Agustí Villaronga, 2010), el tópico y el trazo grueso —la interpretación de Àlex Brendemühl, Tom Sizemore ligando en español— se acaban imponiendo como ley sin que el discurso se asiente tras las imágenes. El resultado dista de ser el rutinario, pero lo sorprendente de la propuesta tiene más que ver con su llamativa caligrafía que con un verdadero espíritu de derribo hacia el lugar común.